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Nouveau rebondissement dans le Street-Art ce lundi 18 mars 2024 !

Banksy confirme depuis son compte Instagram être l’auteur des coulées vertes aspergées sur un mur d’immeuble situé proche de Finsbury Park (Londres).

Il s’agit cette fois d’une illusion d’optique, et il faut prendre du recul et choisir le bon axe pour comprendre que la peinture verte vise à remplacer le feuillage inexistant de l’arbre qui se trouve au premier plan de l’image.

Encore une fois, pour éviter de voir ses œuvres volées ou partir aux enchères, Banksy a imbriqué l’œuvre dans son environnement la rendant indissociable de ce dernier.

Et comme à son habitude, l’impact visuel est puissant et laisse réfléchir sur le peu de place accordé à la nature dans les villes. La représentation de la jeune fille envoie un message à la nouvelle génération qui a le pouvoir et le devoir de sauver notre planète !

La posture du « plus célèbre des anonymes » est ambiguë. Bien qu’il apparaisse comme un créatif engagé et contestataire, il se situe paradoxalement au pinacle du marché de l’art spéculatif qu’il prétend dénoncer.

Banksy, est avant tout un graffeur et il exprime son art dans la rue en utilisant le plus souvent des pochoirs. Banksy véhicule des codes simples, réduits à très peu de couleurs. L’emplacement est prédéterminé et réfléchi. Tout le monde peut en comprendre la signification et l’apprécier.

Mais le talent ne suffit pas à assurer une notoriété ! Et une notoriété n’est rien sans une visibilité !

Banksy l’a très bien compris et il connaît parfaitement les médias et le caractère mécanique et prévisible de leur fonctionnement. En moins de 24H, la photo de sa dernière œuvre postée sur Instagram a déjà totalisé plus de 1,5 million de « like ». C’est un maître du marketing viral et ses campagnes à succès sont paradoxalement une dénonciation du buzz médiatique dont il fait l’objet. En reprenant à son compte les codes et mécaniques du marketing « classique », Banksy se délecte de les détourner pour appuyer son propos et est devenu un acteur majeur de la sphère médiatique.

Qui utilise des techniques classiques et efficaces comme :

1. Le secret qu’il entretient avec le mystère autour de son identité

« L’invisibilité est un super-pouvoir », dit un jour Banksy.

Et ajoute, dans son livre Guerre et Spray (2005) : « Personne ne m’a jamais écouté, jusqu’à ce qu’on ignore qui je suis ».

L’anonymat tient une place centrale dans la démarche Banksy ; le Britannique sait jouer avec les zones d’ombre concernant son identité, et multiplie les fausses pistes. Entre personnes célèbres (Robert del Naja, Jamie Hewlett,…) ou collectif d’artistes activistes, les rumeurs autour de Banksy n’ont pas fini de faire couler de l’encre…et contribue au Buzz planétaire.

Alors individu à part entière ? Ou collectif ? Peu importe finalement, tant qu’il continue de nous fait vibrer !

2. Le scandale, comme avec cette œuvre où les politiciens britanniques deviennent des chimpanzés

« Devolved Parliament » est une huile sur toile réalisée en 2009 par Banksy, remplaçant les politiciens britanniques débattant à la Chambre des communes par des chimpanzés. En 2019, l’œuvre d’art est devenue la plus chère de Banksy à ce jour, se vendant environ 12 millions d’euros chez Sotheby’s à Londres.

L’œuvre mesure 2,5m × 4,2m. Elle s’intitulait « Question Time » lors de sa première présentation à l’exposition Banksy 2009 du Bristol Museum & Art Gallery. Elle a été vendue à un collectionneur privé en 2011. Une version retravaillée et renommée du tableau a été exposée à Bristol en mars 2019, avec des modifications de détails tels qu’une banane et quelques lampes. Banksy a commenté : « Riez maintenant, mais un jour, personne ne sera aux commandes ».

La représentation des chimpanzés fait écho à l’œuvre de Banksy : « Laugh Now » , en 2002, une œuvre au pochoir de presque 2 mètres de long montrant une rangée de singes portant des tabliers avec l’inscription « Riez maintenant, mais un jour, nous serons aux commandes ».

Les réponses comme toujours chez Banksy importent moins que les questions.

Une chose est sûre, à chaque nouvelle intervention, il émeut la planète entière, et contribue à lui seul à faire la promotion de l’art urbain qui est passé en moins de 10 ans du statut de « vandale » à celui de « vendable ».

Fin

Notre société de consommation a transformé notre regard sur l’art à un point tel qu’une récente étude par la célèbre maison de ventes aux enchères Drouot a révélé notre tendance à traiter une œuvre d’art comme un élément de décoration devant s’harmoniser aux couleurs de nos murs ou au style de nos meubles. Ce faisant, un tableau devient un bien de consommation dont on se lassera avec le temps, comme on se lasse des vêtements que l’on porte selon les modes du moment.

Pourtant, l’artiste a voulu exprimer quelque chose avec son travail. Il ne l’a pas créé en pensant à notre décor intérieur. Sa démarche est personnelle et authentique, et elle s’adresse avant tout à notre cœur.

Acquérir une œuvre d’art c’est comme commencer une histoire d’amour. Il faut des sentiments, des émotions, l’envie d’aimer.

Et tout commence par une rencontre, quelque part dans une exposition, une galerie, et là, la magie opère !

Vous risquez de changer de décor plus d’une fois dans votre vie, de déménager ou de changer la couleur de vos murs et de vos meubles, tandis qu’une œuvre d’art devrait pouvoir vous suivre toute la vie, vous guider, vous faire voyager, rendre votre quotidien moins monotone et plus inspirant. Il faut donc choisir une œuvre pour l’émotion qu’elle vous fait vivre et non pour son éclat ou son style. Si l’émotion est sincère, l’œuvre évoluera avec vous et sa symbolique se transformera au fil du temps, sans jamais vous ennuyer. À plus long terme, vous risquez même de changer votre décor en fonction des tableaux, des photographies et des sculptures qui vous entourent.

« Le vrai but de l’art n’est pas de créer de beaux objets : c’est une méthode de réflexion, un moyen d’appréhender l’univers et d’y trouver sa place. » — Paul Auster, romancier américain

Premièrement, il faut vous demander quelle émotion l‘œuvre vous fait ressentir. Pour répondre à cette question, prenez le temps de l’observer, de l’admirer, d’en comprendre la composition et le sujet. Qu’est-ce que l’artiste a voulu exprimer ? Pourquoi cette couleur plutôt qu’une autre ? Quels sont les détails qui ajoutent de l’importance au sujet véhiculé ? La lumière est-elle douce, forte ou contrastée ? En allant à la rencontre de l’œuvre, vous aurez le sentiment de vous l’approprier, puisque la symbolique qui s’en dégagera proviendra uniquement de votre regard et de l’intimité de votre subjectivité.

Ensuite, demandez-vous si l’émotion ressentie est en lien avec un souvenir, une personne qui vous est chère, un événement qui a marqué votre vie, une cicatrice du passé, un sujet qui vous tient à cœur, un fil conducteur qui vous parle ou bien qui est en lien avec d’autres œuvres que vous possédez déjà.

Si vous êtes en mesure d’associer votre émotion à quelque chose qui a de l’importance pour vous, il va sans dire que l’œuvre pourra vivre longtemps à vos côtés. Surtout si vous apprenez à développer une relation avec elle, à la regarder sous toutes ses coutures, à la redécouvrir au gré des saisons et au gré de vos humeurs. Vous pourriez être surpris(e) des nouveaux détails que vous décèlerez avec le temps, détails auxquels, d’ailleurs, vous vous attacherez.

« L’art contemporain c’est pour les riches », « Un enfant de 5 ans en ferait autant »… Qui n’a jamais été confronté à ces clichés lors d’une visite d’exposition ? Je vous propose un « kit de survie » pour contrer les sceptiques ! Voici 10 idées reçues sur l’art contemporain que vous pourrez bientôt balayer d’un revers de main…

Tiens donc, serait-il donc réduit à un seul type ?

S’il y a bien une caractéristique incontestable de l’art contemporain, c’est sa diversité et son impossibilité à être défini de manière uniforme.

Dire « je n’aime pas l’art contemporain » sous-entendrait connaître TOUTES ses facettes, ce qui est tout simplement impossible étant donné la multitude d’œuvres, de styles et de courants qui coexistent.

De plus, les goûts évoluent avec le temps, réservant ainsi de belles surprises !

Cette idée reçue est sans doute l’une des plus répandues concernant l’art contemporain. Cependant, elle oublie souvent qu’il y a derrière chaque œuvre un artiste, un travail, une démarche artistique soigneusement réfléchie.

Invitez donc ces sceptiques à s’approcher des œuvres, à lire les cartels qui les accompagnent, à feuilleter les catalogues d’expositions et à se renseigner sur l’artiste.

S’ils persistent dans leur conviction de pouvoir faire aussi bien, voire mieux, encouragez-les à se lancer ! Qui sait, un artiste sommeille peut-être en eux ?

Les collectionneurs d’œuvres d’art ont depuis longtemps occupé une place de choix dans l’évolution de l’art et des goûts esthétiques, jouant un rôle crucial dans le marché artistique. Leur influence s’étend également aux tendances futures du marché. Cependant, les collectionneurs d’art contemporain se démarquent nettement de leurs prédécesseurs, leurs profils évoluant en réponse à l’avènement de l’art numérique. Cette montée en puissance de l’art numérique a également donné naissance à de nouveaux types de collectionneurs.

Nous allons tenter d’approfondir dans cet article l’identité des nouveaux collectionneurs.

Une nouvelle vague de collectionneurs émerge, occupant une position de plus en plus significative sur le marché de l’art : les jeunes collectionneurs d’art, également connus sous le nom de Génération Z, couvrant une tranche d’âge jusqu’à 25 ans. Ils portent un vif intérêt au développement de collections artistiques.

La génération Z, en tant que moteur du marché de l’art, redéfinit les tendances en matière de collection d’œuvres d’art. Ces jeunes collectionneurs sont à l’avant-garde d’une transformation numérique majeure, propulsant le marché de l’art en ligne vers des chiffres impressionnants, estimés à 16 milliards d’euros d’ici à 2030.

Grâce à la technologie et aux réseaux sociaux, la génération Z perçoit l’art comme une extension de leur identité personnelle. Répartis aux États-Unis, en Europe et surtout en Asie, ces jeunes collectionneurs aisés sont en passe de devenir des acteurs incontournables pour les maisons de vente aux enchères internationales.

Au premier semestre de 2023, les milléniaux fortunés d’Asie ont dépensé en moyenne 55 000 euros en œuvres d’art, suivis de près par les jeunes de la génération Z, qui ont investi 52 000 euros.

Selon les prévisions de l’enquête Art Basel & UBS de 2023, cette jeune génération est destinée à constituer un patrimoine considérable, pouvant atteindre jusqu’à 65 000 milliards d’euro d’ici à 2030.

Les jeunes acheteurs d’art sont plus poussés par des objectifs d’investissement et se tournent vers les artistes émergents, ainsi que vers l’art engagé socialement, tels que les artistes indigènes.

En outre, ils sont davantage enclins à analyser les aspirations de certains artistes plutôt qu’à se focaliser sur l’histoire de l’art, comme l’ont fait les générations précédentes. En 2023, les milléniaux privilégient les sculptures, les installations, et la photographie.

Les collectionneurs de la Génération Z ont dépassé les dépenses dans l’art numérique et les impressions. Les jeunes acheteurs accordent de l’importance aux artistes émergents dans leur collection (64 %), ce qui révèle un changement de priorités par rapport à la génération précédente. Il est à noter que les artistes de renom, réputés dans le domaine, sont moins prisés par les jeunes collectionneurs (11 %) que par leurs collègues plus âgés (23 %).

La technologie a aussi simplifié, accéléré et sécurisé l’acquisition d’œuvres d’art en ligne, incitant les jeunes acheteurs à effectuer des achats, et ce même à des prix plus élevés.

Le paysage évolutif des collectionneurs de la génération Z est une force dynamique qui détermine le futur du marché de l’art.